Compuestas por elegantes y dinámicas danzas entre la tinta negra y el acrílico blanco, las pinturas monocromáticas de Zheng Chongbin son el resultado de un conglomerado de teorías y estéticas extraídas de los cánones artísticos occidentales y orientales. A través de su práctica, Zheng explora los elementos fundamentales que componen nuestro mundo, incluidas las geometrías recurrentes presentes tanto en las macro como en las microestructuras del cosmos. Piezas complementarias, Geometría disuelta C, Geometría disuelta B simbolizan las numerosas dualidades presentes en el mundo natural.

© Zheng Chongbin, photo: Maurice Aeschimann, Geneva

En paisaje surrealista #3, una obra temprana de gu wenda, las formas indiscernibles y las líneas desordenadas recuerdan a las obras de Wassily Kandinsky, mientras que ciertas combinaciones de formas y líneas se parecen a los caracteres de la antigua escritura de sello de la caligrafía china. Sin embargo, están separadas, sintetizadas, mal colocadas, superpuestas, mal escritas, negadas e invertidas. Las formas que se asemejan a los caracteres desafían e inhiben el intento del espectador de atribuir un significado. La noción de “ilegibilidad” aquí allanó el camino para la creación del artista de pseudo-caracteres plenamente desarrollados.

© gu wenda, photo: Maurice Aeschimann, Geneva

Para crear el pigmento de negro intenso que define su serie Cien capas de tinta (100 Layers of Ink), Yang Jiechang pinta capa tras capa de rica tinta negra sobre su papel, aquí construyendo una huella dactilar texturizada, puntuada por una capa superior de pegamento brillante. El resultado es un marcador magnificado de su identidad, uno de un conjunto de cinco pinturas de huellas dactilares a gran escala. Yang se ve a sí mismo como un nuevo artista literario, y la tinta está igualmente en primer plano aquí como parte de su identidad.

© Yang Jiechang, photo: Maurice Aeschimann, Geneva

En su serie Luz divina, Zhang Yu buscaba borrar cualquier rasgo de su propia identidad, pintando conscientemente de una manera que ocultaba sus pinceladas y escogiendo un tema desconectado de su propia experiencia vivida: una misteriosa luz primigenia. Considera estas obras como una combinación experimental del arte de la tinta y las técnicas occidentales que usaba para explorar las fronteras de la pintura en tinta.

© Zhang Yu, photo: Maurice Aeschimann, Geneva

Este óleo se basó en una fotografía de las décadas de 1920 o 1930. La escena, que capta un momento mundano, muestra las calesas desde atrás mientras avanzan por la calle. Las pancartas de los comercios ondean al viento, y los caracteres que aparecen en ellas apenas son legibles. Imitando el efecto de desenfoque de una vieja fotografía en blanco y negro, el cuadro evoca un sentido de nostalgia. El aspecto borroso contribuye a la sensación de un momento efímero que se escapa al espectador como un recuerdo desvanecido.

© Chen Bolan, photo: Maurice Aeschimann, Geneva

En esta obra, el sol ya se ha puesto en la sombría escena. A medida que nuestros ojos se adaptan a la oscuridad, aparece una zona de construcción. Un rebaño de ovejas serpentea entre pilares desnudos de hormigón vertido, pareciendo fuera de lugar y perdido. Aquí, Wang Gongxin sirve de testigo de la rápida transformación de su ciudad natal, Pekín, tras las reformas realizadas a finales de la década de 1980 y principios de la de 1990. Wang difumina los límites entre lo viejo y lo nuevo, lo urbano y lo rural, la realidad y la memoria.

© Wang Gongxin, photo: Maurice Aeschimann, Geneva

En este díptico, las fuerzas naturales y el paso del tiempo se convierten en participantes activos en el proceso creativo. A la izquierda, los caracteres “montañas y aguas” o simplemente “paisaje” (shanshui) pueden leerse claramente. A la derecha, están casi totalmente borrados por las fuerzas que actúan. La pintura de paisaje en agua y tinta se concreta en tres manifestaciones del agua: paisaje (“montañas, agua” o shanshui), tinta (“agua de tinta” o moshui) y hielo (“agua de hielo” o bingshui), que juntos deletrean el título de la obra.

© Dao Guangyu, photo: Maurice Aeschimann, Geneva

© The Liu Kuo-sung Archives, photo: Maurice Aeschimann, Geneva

La serie Luna de Liu Guosong se inspiró en las imágenes de la Tierra tomadas por los astronautas del Apolo 8. Amanecer incorpora una imagen real a modo de collage. Estas dos obras se realizaron con el “papel Guosong” que el artista inventó al adherir a la superficie del papel las gruesas y largas fibras vegetales que se descartan como residuo en el proceso de fabricación del papel. Después de pintar por ambas caras, despegó las largas fibras, dejando al descubierto las partes blancas que había debajo.

© The Liu Kuo-sung Archives, photo: Maurice Aeschimann, Geneva

Impresionado por el colorido del agua en Jiuzhaigou, en la provincia de Sichuan (China), Liu inventó su técnica del zimo. Después de rociar con agua, tinta y colores una gran hoja de papel de calco y dejar que se mezclaran espontáneamente, colocó otra hoja encima. Cuando las dos hojas se adhirieron, los elementos entre ellas parecían transformarse en agua ondulada. A continuación, el artista separó las dos hojas, recortándolas y editándolas para crear esta imagen fantástica y etérea.

© The Liu Kuo-sung Archives, photo: Maurice Aeschimann, Geneva

Hiroshi Sugimoto es uno de los fotógrafos más dotados de la actualidad. Para crear esta serie, Sugimoto hizo referencia a los primeros experimentos con la electricidad de pioneros como Benjamin Franklin y William Fox Talbot. En 2009, el artista instaló en su cuarto oscuro un generador Van De Graaff de 400,000 voltios que enviaba rayos de electricidad a través de una película sobre una mesa de metal mientras manipulaba los rayos chispeantes con utensilios de cocina metálicos. Las imágenes resultantes suelen parecerse a sistemas vasculares y a acontecimientos cósmicos de gran energía.

© Hiroshi Sugimoto, courtesy of Fraenkel Gallery, San Francisco, photos: Maurice Aeschimann, Geneva

Nacida de la colaboración con el Singapore Tyler Print Institute, la serie Viendo sombras (2005–12) de Lin Tianmiao combina impresiones fotográficas a gran escala con su material característico, el hilo blanco. Conocida por sus esculturas envueltas en hilo, Viendo sombras supone una rara incursión de Lin en el arte bidimensional para colgar en la pared.

© Lin Tianmiao, photo: Maurice Aeschimann, Geneva

Esferas ásperas moldeadas en cemento están suspendidas sobre estrechas losas de frágil cristal colocadas sobre un podio de madera. Las esferas están organizadas de pequeñas a grandes a lo largo del recorrido semicircular. Debido al juego de luces y sombras, y a nuestra mirada cambiante al desplazarnos por la obra, esta desprende dinamismo y movimiento. Como las cuentas que rebotan al caer al suelo, o los átomos que salen disparados de una sola línea, Convergencia logra captar el movimiento en el espacio.

© Sunagawa Haruhiko, photo: Maurice Aeschimann, Geneva

En la década de 1990, Li Huasheng realizó varios viajes a monasterios budistas en el Himalaya y se inspiró en las filas de monjes que salmodiaban allí. Al igual que estos cánticos, la construcción de las pinturas cuadriculadas de Li implicaba un proceso profundamente meditativo: cada línea requería paciencia y una mente clara, y se repetía hasta llenar todo el cuadro. Estas cuadrículas representan un registro de la vida de Li; su experiencia al pintar cada cuadrícula, a veces un proceso de meses de duración, está plasmada en sus líneas.

© Li Huasheng Art Foundation, photo: Maurice Aeschimann, Geneva

Matti Kujasalo crea intrincados patrones multicolores utilizando finas tiras de cinta adhesiva, a veces de una décima de milímetro de diámetro. Con cada nueva capa de cinta, pinta un nuevo color, terminando sus cuadros siempre con negro y retirando las capas de cinta para revelar una retícula de tonos del arco iris. La obra de Kujasalo, un pintor constructivista, muestra el gran interés del artista por la pintura de campo de color y las técnicas de pintura mecánica en serie.

© Matti Kujasalo, photo: Maurice Aeschimann, Geneva

© Irma Blank, photos by Michael Brezinski, courtesy of the artist and Alison Jacques Gallery, London

In these two works, artist Irma Blank explores the relationship between breath and text. As if inviting us to read it, Dal Libro Totale is bound like a book. Instead of words and letters, though, we find repetitive drawn-out strokes, rhythmically punctuated by blank spaces. This illegibility repeats in Abecedarium with ultramarine blue bands that grow darker at the center, mimicking the spine of a book. So how can you read these? Simple. Breathe in…

© Irma Blank, photos by Michael Brezinski, courtesy of the artist and Alison Jacques Gallery, London

Obra representativa de la serie de estanques de loto de Chua Ek Kay, las flores se reducen a las ramas rotas y las hojas secas de finales de otoño. El artista exploró la esencia espiritual en un estilo mínimo con composiciones aplanadas, formas puramente abstractas y líneas expresivas. Como si se tratara de un guirigay grabado en caligrafía ilegible, está ejecutada con pinceladas agitadas y contundentes. Al quedarse con solo la esencia, esta pintura ilumina de manera conceptual la vitalidad de los lotos.

© Estate of Chua Ek Kay, photo: Maurice Aeschimann, Geneva

Bingyi deja la escala de esta pintura intencionalmente ambigua: Puede ser que Deja que me convierta nos muestre células microscópicas, flores florecientes o la totalidad del universo en constante expansión. Esta obra forma parte de la serie de pinturas de Bingyi relacionadas con la noción de wanwu (traducida aproximadamente como “infinidad de cosas”). Ella considera esta obra un objeto de meditación que conecta a diferentes espectadores a través de una experiencia compartida y crea un espacio para la contemplación profunda.

© Bingyi, photo: Maurice Aeschimann, Geneva

Las obras de arte de Max Cole envuelven al espectador en las infinitas posibilidades de la mente. Su práctica se ve subrayada por una impresión de armonía y serenidad producida a través de marcas repetitivas hechas a mano alzada que recuerdan a un canto espiritual hipnótico. La artista pasa horas dibujando diligentemente líneas precisas, dejando que sus composiciones se revelen a través de sus movimientos. Las obras de Cole pueden verse como alusiones a su infancia, recordando el tiempo que pasó en las llanuras del Suroeste.

© Max Cole, photo: Maurice Aeschimann, Geneva

Mientras que las imágenes presentadas en muchos de los cuadros de Ophélie Asch son estructural y visualmente ambiguas, Bataille aux craters forma parte de una serie de obras que se han comparado con imágenes de ruinas: a menudo parecen representar estructuras o bien destrozadas o aplastadas, o que recuerdan a fósiles. Asch crea una visión de un mundo onírico impregnado de cosas como ramas y ramitas entrelazadas, redes subterráneas de micorrizas y frenéticos enjambres de insectos. No se trata tanto de una imagen del mundo visible como de una imagen de las energías que hay dentro y que subyacen al mundo visible.

© Ophélie Asch, photo: Maurice Aeschimann, Geneva

Las obras de Shirazeh Houshiary se producen a menudo mediante la superposición diligente de líneas de lápiz combinadas con pigmento acrílico o Aquacryl. En Rasgado, las líneas dentadas emanan en espiral, formando un velo translúcido. El velo, o la membrana, es un motivo recurrente en su práctica y puede entenderse como una metáfora de la barrera que nos resguarda de nuestra conciencia de nuestra propia existencia. Trascendiendo la influencia de cualquier religión en particular, las obras de Houshiary desprenden una inconfundible cualidad espiritual.

© Shirazeh Houshiary, photo by Ellen Page Wilson, courtesy of the artist

Kitamura Junko es una ceramista pionera cuyas obras conceptualmente atrevidas extienden el medio mucho más allá de las reglas tradicionales de la funcionalidad. Estas obras emblemáticas de la artista, piezas de piedra decoradas con minuciosos e intrincados patrones lacados, ejemplifican sus métodos de producción. Los minúsculos puntos concéntricos y las hendiduras geométricas sugieren copos de nieve, constelaciones celestiales o patrones de textiles japoneses. Kitamura infunde a sus patrones lo que ella describe como “un movimiento a la vez tranquilo y poderoso, algunos [diseños] lentos y delicados y otros rápidos y atrevidos”.

© Kitamura Junko, photo: Maurice Aeschimann, Geneva

El lento y deliberado proceso de marcación constituye un registro de los movimientos corporales del artista. Las marcas cortas, en forma de gancho y con bordes borrosos, se aplican metódicamente sobre papel liso. Su ligera variación dentro de la cuadrícula es rítmica, casi musical. Al utilizar gestos mínimos para ocupar y transformar el espacio, Lee aplica el concepto de dejar en blanco (liu bai), un principio estético chino por el cual se dejan zonas inalteradas intencionadamente, adaptándolo a su propio lenguaje visual del minimalismo.

© Artists Rights Society (ARS), New York/ADAGP, Paris, photo: Maurice Aeschimann, Geneva

Creada casi cuatro décadas después de que se desarrollara la serie Ecriture de Park Seo-Bo, esta obra actúa como un registro de la acción repetida del artista, creando surcos poco profundos en el papel hanji húmedo, un acto de autovaciado meditativo. En el centro de la obra, Park incorpora un “agujero para respirar”, una pausa en sus característicos surcos que permite al ojo y al espíritu un lugar de descanso y vacío.

© Park Seo-Bo, photos courtesy of the artist and Kukje Gallery, Seoul

Las pinturas de huellas dactilares características de Zhang Yu son a la vez autorretratos, calcos y meditaciones. El artista presiona repetidamente su huella dactilar sobre el papel, habitualmente con tinta roja o negra, pero en este caso, solo con agua. Empleando su huella dactilar como un sello, Zhang crea una superficie texturizada en sus obras de solo agua, el rastro de la acción aquí transmitido a través de la hendidura del papel, a diferencia de la tinta estampada.

© Zhang Yu, photo: Maurice Aeschimann, Geneva

Huang Zhiyang comenzó su serie Poseyendo numerosos picos después de mudarse a Pekín en 2006, inspirado por las imponentes montañas que rodean la ciudad. Para él, estas montañas son dragones, y los surcos ondulantes de las esculturas encarnan el flujo de su qi, o energía, que recorre y rodea sus cuerpos. El interés de Huang por el flujo del qi también es fundamental en la práctica de la pintura con tinta del artista.

© Huang Zhiyang, photo: Maurice Aeschimann, Geneva

Esta obra presenta dos grandes masas, una que es la sombra de la otra. La forma oscura del primer plano se compone de repetidos toques de tinta, que se van secando hacia el centro. Por detrás, una forma clara está representada de forma similar, aunque a la inversa. Esta vez, las pinceladas húmedas comienzan en el centro y se van secando hacia el exterior. El cuadro, con sus formas oscuras y claras, que se hacen eco mutuamente, sugiere el concepto taoísta del yin y el yang.

© Yan Binghui, photo: Maurice Aeschimann, Geneva

Fung Ming Chip es un reformador de la caligrafía, transformando una tradición milenaria en una práctica que refleja la vida contemporánea. Ha creado más de cien escrituras caligráficas a lo largo de su carrera. En Caligrafía de aguja, el artista desdibuja la división entre los espacios interiores y exteriores de sus caracteres al puntuar líneas ligeramente pintadas con ricos brochazos negros que atraviesan el papel. Fung estampa dos de sus propios sellos tallados a mano en Pasando por casualidad, que se ven en las esquinas superior derecha e inferior izquierda. La caligrafía dice:

Pasando por casualidad

Espíritu fuerte o débil
Sigue el motor giratorio
Que cruza persistentemente el ecuador
Cantidad cualidad y patrón son superados
Engañando la estructura física
Confundiendo el tiempo y enfocando la distancia
Invirtiendo luna y estrella
Congelando la ideología
Existiendo la voluntad
Excediendo el límite corporal
A 36,000 pies de altura
Mirando hacia abajo a la tierra viva
Buscando un futuro desconocido
Mirando hacia un lado al cielo
La eternidad decreciente
Pensando hacia adelante
Por qué no hay oscuridad

© Fung Ming Chip, photo: Maurice Aeschimann, Geneva

El secreto de entender la obra de Qiu Shihua reside en el tiempo que se le dedica. Casi imposible de percibir a primera vista, los paisajes casi blancos de Qiu de hecho están pintados en matices de rojo, azul y amarillo. La esencia de la obra del artista es el qiyun, o la resonancia del espíritu: en lugar de transmitir una semejanza formal, su objetivo es transmitir el espíritu de su tema para que pueda resonar en los futuros espectadores.

© Qiu Shihua, photo: Maurice Aeschimann, Geneva

La técnica característica de Wang Tiande surgió de un suceso casual cuando, en 2002, el cigarrillo del artista cayó sobre su papel. En sus obras actuales, cauteriza intencionadamente el papel utilizando varillas de incienso encendidas en lugar de un pincel, superponiendo paisajes quemados y caligrafía sobre pinturas de tinta y pincel, dejando entrever la tinta a través del espacio negativo de sus trazos quemados.

© Wang Tiande, photo: LACMA

Esta obra incorpora un símbolo del trenzado de cuerdas, un arte popular tradicional, al paisaje. Las líneas paralelas retorcidas se ejecutaron con un pincel especial que el artista inventó al dividir el pelo de una brocha ancha en varios subgrupos, generando así varias finas líneas de pintura. Las montañas superiores se pintaron sobre papel arrugado. Mediante la manipulación de la línea, la forma y el espacio, este fantástico y majestuoso paisaje onírico surgió de la singularidad del estilo y la técnica del artista.

© Estate of Chu Ko, photo: Maurice Aeschimann, Geneva

Este cuadro representa un paisaje entre nubes neblinosas, en el que el flujo de qi (energía) está cuidadosamente renderizado. Superpuestas al paisaje natural hay formas fragmentadas, garabatos geométricos y líneas discursivas que evocan la arquitectura urbana, las señales digitales o la formación del Cielo y la Tierra. Las líneas discontinuas son parecidas a los trazos de la textura del pelo de buey (niumao cun), pero la referencia queda desbordada por el toque moderno de Leung Kui-ting, que armoniza la pintura tradicional china de paisajes con la estética espacial moderna.

© Leung Kui-ting, photo: Maurice Aeschimann, Geneva

Conejo tardío tiene todos los elementos de una pintura china tradicional (colofón, montaje de brocado, paisaje montañoso), pero no se ha creado con pincel y seda, sino con bolígrafo sobre papel. El patrón del brocado de seda de Joey Leung Ka-yin está dibujado totalmente a mano; su inscripción emula una tipografía de computadora. Se lee:

Perdóneme por favor, su majestad
Ya sabe que nunca llego tarde
Me equivoqué de camino
Y me distraje con las miradas coquetas
como un grupo de pulgas saltantes
Me lanzaron el “hola” más dulce que jamás he escuchado
Me caí de cabeza en su abrazo
Entonces perdí mi rumbo y no supe encontrarlo
Por eso llegué tarde

© 2021 Joey Leung Ka-yin, photo courtesy of the artist

Esta obra de la serie de “falsos paisajes” de Yao Jui-Chung, que recuerda a las pinturas chinas tradicionales en su composición, usurpa deliberadamente la llamada ortodoxia. Una cabaña aislada entre montañas y nieblas es tradicionalmente indicativa de la reclusión de un elevado erudito, un afán literario. Este cuadro, sin embargo, contiene un sorprendente amante secreto. Pintado con plumas en lugar de pinceles, decorado con colores extravagantes y hojas de oro, este cuadro expresa una inevitable influencia de las tradiciones chinas y la rebelión del artista contra ella.

© Yao Jui-Chung, photo: Maurice Aeschimann, Geneva

En 1987, Xu Bing completó su máster de bellas artes en grabado, y presentó la obra de xilografía Cinco series de repetición como su proyecto de tesis. La serie mostraba la evolución de los bloques de madera tallados a lo largo del tiempo, comenzando con impresiones de bloques de madera sin cortar y terminando con impresiones en las que se había tallado casi toda la madera. En esta impresión, vemos un punto intermedio de la serie, en el que las escenas talladas de las tierras de cultivo están completamente grabadas, sin que sus formas se hayan desconchado todavía.

© Xu Bing Studio, photo: LACMA

Chen Haiyan materializa sus sueños en atrevidos y expresivos xilografías y pinturas llenas de tinta. Su proceso característico comenzó con pequeños grabados en madera, basados en entradas de sus diarios de sueños, que lleva escribiendo desde 1981, pero desde entonces han crecido hasta convertirse en xilografías a gran escala talladas en duros paneles de madera de peral. Los sucesos de sus sueños a menudo imitan su vida cotidiana, y están llenos de capricho, ansiedad y, a veces, ira.

© Chen Haiyan, photo courtesy of the artist

Caballo y rosa está grabado en el diario de sueños de Chen de la siguiente manera:

Sueño: 17 de julio de 2005
Estoy sola y corro lo más rápido que puedo. Casi choco con un coche. En el camino de tierra que hay delante, veo un carro jalado por un caballo. El carro está cargado de macetas. Hay plantas tropicales con espinas y las habituales rosas. No puedo llevármelas, así que no necesito pedir el precio. Veo que en la cabeza del caballo hay un gran ramo de rosas. No sé si las flores son para alimentar al caballo o de adorno.

Tengo que encontrarme con mi hijo; me está esperando en casa. Mientras avanzo, llego a la entrada de un pueblo del norte donde hay una gran multitud de personas reunidas para el mercado. La gente vende cosas como restos de tofu, tapones de botellas y toallas sucias y húmedas. No me atrevo a comprar un pan plano para comer allí.

Me subo a un taxi y no he visto si el conductor es varón o hembra. Conduce y de repente se detiene dentro de una habitación. Hay un caminito junto a un escaparate. La gente de la tienda está haciendo pantalones y camisetas de pijama forradas de algodón. Me llevo varios pares, pero todos son enormes. Algunos están estampados con rayas azules, otros con morado. Pienso que debería hacerme un par para llevarlo en invierno, pero también tengo miedo de que la tela no esté limpia.

La taxista que ha estacionado aquí no está buscando pasajeros, entonces ¿por qué está sentada aquí? Su carro no puede salir de aquí. Tiene que echarse hacia atrás, dar la vuelta y seguir recto. ¿Me preocupa que el carro me atropelle o que yo me choque con él primero? Arranca el carro y entra al elevador. Los botones de ese viejo y desvencijado elevador están desgastados y no son claros, no se puede distinguir cuál es el de arriba y cuál el de abajo. En medio de la entrada, la conductora descubre que no se trata de un elevador en el que puedan entrar los carros. Desde el piso del elevador hay una parte en la que se puede ver a los obreros que trabajan abajo. El carro avanza y cae en el pozo de abajo. ¡Qué peligroso! Como de costumbre, los obreros están echando a sudar. La taxista me hace mostrar el camino. El carro no encuentra la puerta principal por la cual debe salir. Utilizo el celular de mi hijo para llamarlo. Pero los números están mal. Mi hijo está en casa esperándome. La taxista me dice que solo me va a cobrar 15 RMB. Le digo que está bien. Traducido del chino al inglés por Maya Kóvskaya

© Chen Haiyan, photo courtesy of the artist

Basada en la obra de Lui Shou-Kwan Casas de madera en las montañas, Historia de fondo es una de las obras de una serie de Xu Bing que recrea pinturas modernas e históricas de paisajes en tinta en instalaciones de cajas de luz. Aunque Historia de fondo aparenta ser un paisaje pacífico e idílico visto de frente, una mirada a la parte posterior de la obra revela que está compuesta por basura y desechos naturales, lo que contrasta el paisaje histórico con alusiones al medio ambiente contaminado contemporáneo.

© Helen Ting, photo: Maurice Aeschimann, Geneva

Barrancos, montañas y árboles suben por el torso de Huang Yan y luego descienden en cascada por los brazos hasta la punta de los dedos. En la pintura de tinta literati, la figura humana suele ser secundaria respecto al paisaje. Aquí, sin embargo, ocupa un lugar destacado. Como el cuerpo se convierte en lienzo, el título, Tatuaje chino shanshui, de repente suena más acertado. Aunque la pintura ya ha empezado a desprenderse, es más que superficial. La tradición de la pintura con tinta está grabada de forma indeleble en el corazón del artista.

© Huang Yan, photo: Maurice Aeschimann, Geneva

© Xu Bing Studio, photo by Fang Chao

Los paisajes monumentales de la dinastía Song del Norte inspiraron a Li Huayi a forjar un estilo personal único. Sin embargo, renunciando al paisaje panorámico de los Song del Norte, Li deconstruye los elementos y los recombina en una escena abstracta en la que se amplifican los detalles. Las formas geométricas parecidas a montañas son magníficas y dinámicas. Los detalles cristalinos de los cantos rodados sugieren un microcosmos, mientras que los pliegues oscuros y profundos del centro superior atraen al espectador a un misterioso macro-reino.

© Li Huayi, photo: Maurice Aeschimann, Geneva

En sus obras fotográficas, el artista Michael Cherney, afincado en Pekín, adopta la estética de la pintura china en tinta, recurriendo a temas, formatos y estilos tradicionales. Capturadas aquí son cinco cumbres de la zona montañosa de Zhangjiajie, en la provincia china de Hunan. El uso del papel tradicional como fondo y el formato de montaje en pergamino refuerzan la naturaleza pictórica de la obra. El grano de la fotografía, además, sustituye a un pincelado evidente, siendo ambos signos de la mano de un artista.

© Michael Cherney, photo: LACMA