Fung Ming Chip es un reformador de la caligrafía, transformando una tradición milenaria en una práctica que refleja la vida contemporánea. Ha creado más de cien escrituras caligráficas a lo largo de su carrera. En Caligrafía de aguja, el artista desdibuja la división entre los espacios interiores y exteriores de sus caracteres al puntuar líneas ligeramente pintadas con ricos brochazos negros que atraviesan el papel. Fung estampa dos de sus propios sellos tallados a mano en Pasando por casualidad, que se ven en las esquinas superior derecha e inferior izquierda.

Esta obra presenta dos grandes masas, una que es la sombra de la otra. La forma oscura del primer plano se compone de repetidos toques de tinta, que se van secando hacia el centro. Por detrás, una forma clara está representada de forma similar, aunque a la inversa. Esta vez, las pinceladas húmedas comienzan en el centro y se van secando hacia el exterior. El cuadro, con sus formas oscuras y claras, que se hacen eco mutuamente, sugiere el concepto taoísta del yin y el yang.

Kitamura Junko es una ceramista pionera cuyas obras conceptualmente atrevidas extienden el medio mucho más allá de las reglas tradicionales de la funcionalidad. Estas obras emblemáticas de la artista, piezas de piedra decoradas con minuciosos e intrincados patrones lacados, ejemplifican sus métodos de producción. Los minúsculos puntos concéntricos y las hendiduras geométricas sugieren copos de nieve, constelaciones celestiales o patrones de textiles japoneses.

Las pinturas de huellas dactilares características de Zhang Yu son a la vez autorretratos, calcos y meditaciones. El artista presiona repetidamente su huella dactilar sobre el papel, habitualmente con tinta roja o negra, pero en este caso, solo con agua. Empleando su huella dactilar como un sello, Zhang crea una superficie texturizada en sus obras de solo agua, el rastro de la acción aquí transmitido a través de la hendidura del papel, a diferencia de la tinta estampada.

© Zhang Yu, photo: Maurice Aeschimann, Geneva

Creada casi cuatro décadas después de que se desarrollara la serie Ecriture de Park Seo-Bo, esta obra actúa como un registro de la acción repetida del artista, creando surcos poco profundos en el papel hanji húmedo, un acto de autovaciado meditativo. En el centro de la obra, Park incorpora un “agujero para respirar”, una pausa en sus característicos surcos que permite al ojo y al espíritu un lugar de descanso y vacío.

© Park Seo-Bo, photos courtesy of the artist and Kukje Gallery, Seoul

Huang Zhiyang comenzó su serie Poseyendo numerosos picos después de mudarse a Pekín en 2006, inspirado por las imponentes montañas que rodean la ciudad. Para él, estas montañas son dragones, y los surcos ondulantes de las esculturas encarnan el flujo de su qi, o energía, que recorre y rodea sus cuerpos. El interés de Huang por el flujo del qi también es fundamental en la práctica de la pintura con tinta del artista.

© Huang Zhiyang, photo: Maurice Aeschimann, Geneva

Bingyi deja la escala de esta pintura intencionalmente ambigua: Puede ser que Deja que me convierta nos muestre células microscópicas, flores florecientes o la totalidad del universo en constante expansión. Esta obra forma parte de la serie de pinturas de Bingyi relacionadas con la noción de wanwu (traducida aproximadamente como “infinidad de cosas”). Ella considera esta obra un objeto de meditación que conecta a diferentes espectadores a través de una experiencia compartida y crea un espacio para la contemplación profunda.

Las obras de Shirazeh Houshiary se producen a menudo mediante la superposición diligente de líneas de lápiz combinadas con pigmento acrílico o Aquacryl. En Rasgado, las líneas dentadas emanan en espiral, formando un velo translúcido. El velo, o la membrana, es un motivo recurrente en su práctica y puede entenderse como una metáfora de la barrera que nos resguarda de nuestra conciencia de nuestra propia existencia. Trascendiendo la influencia de cualquier religión en particular, las obras de Houshiary desprenden una inconfundible cualidad espiritual.

Las obras de arte de Max Cole envuelven al espectador en las infinitas posibilidades de la mente. Su práctica se ve subrayada por una impresión de armonía y serenidad producida a través de marcas repetitivas hechas a mano alzada que recuerdan a un canto espiritual hipnótico. La artista pasa horas dibujando diligentemente líneas precisas, dejando que sus composiciones se revelen a través de sus movimientos. Las obras de Cole pueden verse como alusiones a su infancia, recordando el tiempo que pasó en las llanuras del Suroeste.

Mientras que las imágenes presentadas en muchos de los cuadros de Ophélie Asch son estructural y visualmente ambiguas, Bataille aux craters forma parte de una serie de obras que se han comparado con imágenes de ruinas: a menudo parecen representar estructuras o bien destrozadas o aplastadas, o que recuerdan a fósiles. Asch crea una visión de un mundo onírico impregnado de cosas como ramas y ramitas entrelazadas, redes subterráneas de micorrizas y frenéticos enjambres de insectos.