Matti Kujasalo crea intrincados patrones multicolores utilizando finas tiras de cinta adhesiva, a veces de una décima de milímetro de diámetro. Con cada nueva capa de cinta, pinta un nuevo color, terminando sus cuadros siempre con negro y retirando las capas de cinta para revelar una retícula de tonos del arco iris. La obra de Kujasalo, un pintor constructivista, muestra el gran interés del artista por la pintura de campo de color y las técnicas de pintura mecánica en serie.

© Matti Kujasalo, photo: Maurice Aeschimann, Geneva

El lento y deliberado proceso de marcación constituye un registro de los movimientos corporales del artista. Las marcas cortas, en forma de gancho y con bordes borrosos, se aplican metódicamente sobre papel liso. Su ligera variación dentro de la cuadrícula es rítmica, casi musical. Al utilizar gestos mínimos para ocupar y transformar el espacio, Lee aplica el concepto de dejar en blanco (liu bai), un principio estético chino por el cual se dejan zonas inalteradas intencionadamente, adaptándolo a su propio lenguaje visual del minimalismo.

Obra representativa de la serie de estanques de loto de Chua Ek Kay, las flores se reducen a las ramas rotas y las hojas secas de finales de otoño. El artista exploró la esencia espiritual en un estilo mínimo con composiciones aplanadas, formas puramente abstractas y líneas expresivas. Como si se tratara de un guirigay grabado en caligrafía ilegible, está ejecutada con pinceladas agitadas y contundentes. Al quedarse con solo la esencia, esta pintura ilumina de manera conceptual la vitalidad de los lotos.

En la década de 1990, Li Huasheng realizó varios viajes a monasterios budistas en el Himalaya y se inspiró en las filas de monjes que salmodiaban allí. Al igual que estos cánticos, la construcción de las pinturas cuadriculadas de Li implicaba un proceso profundamente meditativo: cada línea requería paciencia y una mente clara, y se repetía hasta llenar todo el cuadro. Estas cuadrículas representan un registro de la vida de Li; su experiencia al pintar cada cuadrícula, a veces un proceso de meses de duración, está plasmada en sus líneas.

Esferas ásperas moldeadas en cemento están suspendidas sobre estrechas losas de frágil cristal colocadas sobre un podio de madera. Las esferas están organizadas de pequeñas a grandes a lo largo del recorrido semicircular. Debido al juego de luces y sombras, y a nuestra mirada cambiante al desplazarnos por la obra, esta desprende dinamismo y movimiento. Como las cuentas que rebotan al caer al suelo, o los átomos que salen disparados de una sola línea, Convergencia logra captar el movimiento en el espacio.

Este óleo se basó en una fotografía de las décadas de 1920 o 1930. La escena, que capta un momento mundano, muestra las calesas desde atrás mientras avanzan por la calle. Las pancartas de los comercios ondean al viento, y los caracteres que aparecen en ellas apenas son legibles. Imitando el efecto de desenfoque de una vieja fotografía en blanco y negro, el cuadro evoca un sentido de nostalgia. El aspecto borroso contribuye a la sensación de un momento efímero que se escapa al espectador como un recuerdo desvanecido.

En esta obra, el sol ya se ha puesto en la sombría escena. A medida que nuestros ojos se adaptan a la oscuridad, aparece una zona de construcción. Un rebaño de ovejas serpentea entre pilares desnudos de hormigón vertido, pareciendo fuera de lugar y perdido. Aquí, Wang Gongxin sirve de testigo de la rápida transformación de su ciudad natal, Pekín, tras las reformas realizadas a finales de la década de 1980 y principios de la de 1990. Wang difumina los límites entre lo viejo y lo nuevo, lo urbano y lo rural, la realidad y la memoria.

En este díptico, las fuerzas naturales y el paso del tiempo se convierten en participantes activos en el proceso creativo. A la izquierda, los caracteres “montañas y aguas” o simplemente “paisaje” (shanshui) pueden leerse claramente. A la derecha, están casi totalmente borrados por las fuerzas que actúan. La pintura de paisaje en agua y tinta se concreta en tres manifestaciones del agua: paisaje (“montañas, agua” o shanshui), tinta (“agua de tinta” o moshui) y hielo (“agua de hielo” o bingshui), que juntos deletrean el título de la obra.

Hiroshi Sugimoto es uno de los fotógrafos más dotados de la actualidad. Para crear esta serie, Sugimoto hizo referencia a los primeros experimentos con la electricidad de pioneros como Benjamin Franklin y William Fox Talbot. En 2009, el artista instaló en su cuarto oscuro un generador Van De Graaff de 400,000 voltios que enviaba rayos de electricidad a través de una película sobre una mesa de metal mientras manipulaba los rayos chispeantes con utensilios de cocina metálicos. Las imágenes resultantes suelen parecerse a sistemas vasculares y a acontecimientos cósmicos de gran energía.