EJ Hill es conocido sobre todo por sus actuaciones basadas en la resistencia, pero es también constructor de objetos, escritor y artista de instalaciones. Ha utilizado el neón para introducir texto en una conversación con su cuerpo mientras actúa, y como fuente luminiscente en las circunstancias oscuras. Durante una beca de un año en la Universidad de Harvard, Hill comenzó a hacer la serie Lecciones, en la cual cada obra incluye una pizarra con un mensaje declarativo.

EJ Hill is known best for his endurance-based performances but is also an object-maker, writer, and installation artist. He has used neon to put text into conversation with his body while he performs, and as a source of light in dark circumstances. During a year-long fellowship at Harvard University, Hill began making the series Lessons, in which each work includes a chalkboard with a declarative message. In these pieces, Hill recasts the objects and language of the American education system to reckon with the fact that these institutions are not designed for all.

Avery Singer utiliza software de modelado de tres dimensiones para crear los trazos para sus telas, y luego aplica pinturas acrílicas con un aerógrafo. Sus inmaculadas superficies grises crean una confusión estética entre lo histórico y lo contemporáneo, y desdibujan los límites entre los medios. En Tanque de aislamiento sensorial (vacío), Singer reproduce expertamente manchas y gotas por todo el plano pictórico para implicar las huellas de mano y las marcas de agua que aparecen en las superficies de vidrio durante y después de un aguacero húmedo.

Avery Singer uses three-dimensional modeling software to create the underdrawings for her canvases, then applies acrylic paint with an airbrush. Her immaculate gray surfaces create an aesthetic confusion between the historical and the contemporary, and blur the lines between mediums. In Sensory Deprivation Tank (empty) Singer expertly renders drips and smears throughout the picture plane to imply the handprints and watermarks that appear on glass surfaces during and following a steamy shower.

En El espacio en que viajamos, Calida Rawles retrata a dos muchachas adolescentes en vestidos blancos que están sumergidas bajo el agua, agarrándose de las manos; sus cuerpos crean una doble hélice, que sugiere su vinculación genealógica. Rawles reflexiona que el agua puede ser turbulenta y aterradora pero también envolvente y elevadora: es “artera…un elemento muy peligroso,” dice. “Para sobrevivir en el agua, hay que relajarse. Si forcejeas, te hundes. Hay que tomar las olas como vienen. Eso lo veo simplemente como un estado de ser.”

In The Space in Which We Travel Calida Rawles depicts two adolescent girls in white dresses who are submerged underwater, grasping each other’s hands; their bodies create a double helix, suggesting their genealogical linkage. Rawles reflects that water can be turbulent and terrifying but also enveloping and elevating: it is "duplicitous...a very dangerous element,” she says. “In order to survive in water, you have to relax. If you struggle, you sink. You take the waves as they come. I think of that as just a state of being."

La experiencia de Felipe Baeza como inmigrante indocumentado y queer ha informado su práctica. Su obra incorpora el grabado y el collage; para Sin título (tanta oscuridad, tanta morenidad), él bordó una imagen de una familia mexicana que está tratando de cruzar la frontera estadounidense en un mapa rescatado. Baeza luego colocó el papel boca abajo en el piso y le puso capas de pigmentos, polvo y agua, como pieles, por encima. Completó este proceso unas doce veces, enfatizando la labor y las capas que yacen bajo la superficie de la imagen.

Felipe Baeza’s experience as an undocumented queer immigrant has informed his practice. His work incorporates printmaking and collage; for Untitled (so much darkness, so much brownness), he embroidered an image of a Mexican family attempting to cross the United States border onto a salvaged map. Baeza then laid the paper face-down on the floor and layered “skins” of pigments, powder, and water on top of it. He completed this process around a dozen times for this work, emphasizing the labor and layers that lie beneath the surface of the image.

El maestro y artista John T. Riddle hizo El Solucionador de Problemas de América en el punto álgido de la guerra de Vietnam. Como ex militar que había sentido el aguijón del racismo militar institucional, Riddle estaba consciente de que los hombres negros estuvieron desproporcionadamente representados entre los reclutas y las muertes en combate en Vietnam.

Lonnie Holley hizo su primera obra de arte con veintinueve años de edad, cuando talló una escultura de arenisca industrial, un subproducto de las plantas de fabricación de acero, para colocar en las tumbas de los dos hijos de su hermana, quienes habían fallecido en un incendio en la casa. Holley entonces comenzó a pintar y a hacer ensamblajes esculturales de los objetos que encontraba en torno a su casa y estudio en Birmigham, Alabama.