In The Space in Which We Travel Calida Rawles depicts two adolescent girls in white dresses who are submerged underwater, grasping each other’s hands; their bodies create a double helix, suggesting their genealogical linkage. Rawles reflects that water can be turbulent and terrifying but also enveloping and elevating: it is "duplicitous...a very dangerous element,” she says. “In order to survive in water, you have to relax. If you struggle, you sink. You take the waves as they come. I think of that as just a state of being."

La experiencia de Felipe Baeza como inmigrante indocumentado y queer ha informado su práctica. Su obra incorpora el grabado y el collage; para Sin título (tanta oscuridad, tanta morenidad), él bordó una imagen de una familia mexicana que está tratando de cruzar la frontera estadounidense en un mapa rescatado. Baeza luego colocó el papel boca abajo en el piso y le puso capas de pigmentos, polvo y agua, como pieles, por encima. Completó este proceso unas doce veces, enfatizando la labor y las capas que yacen bajo la superficie de la imagen.

Felipe Baeza’s experience as an undocumented queer immigrant has informed his practice. His work incorporates printmaking and collage; for Untitled (so much darkness, so much brownness), he embroidered an image of a Mexican family attempting to cross the United States border onto a salvaged map. Baeza then laid the paper face-down on the floor and layered “skins” of pigments, powder, and water on top of it. He completed this process around a dozen times for this work, emphasizing the labor and layers that lie beneath the surface of the image.

El maestro y artista John T. Riddle hizo El Solucionador de Problemas de América en el punto álgido de la guerra de Vietnam. Como ex militar que había sentido el aguijón del racismo militar institucional, Riddle estaba consciente de que los hombres negros estuvieron desproporcionadamente representados entre los reclutas y las muertes en combate en Vietnam.

Lonnie Holley hizo su primera obra de arte con veintinueve años de edad, cuando talló una escultura de arenisca industrial, un subproducto de las plantas de fabricación de acero, para colocar en las tumbas de los dos hijos de su hermana, quienes habían fallecido en un incendio en la casa. Holley entonces comenzó a pintar y a hacer ensamblajes esculturales de los objetos que encontraba en torno a su casa y estudio en Birmigham, Alabama.

Lonnie Holley made his first artwork at age twenty-nine, carving a sculpture out of industrial sandstone—a byproduct of the steel manufacturing plants in his community—to place on the graves of his sister’s two children, who died in a house fire. Holley then began painting and making sculptural assemblages out of objects he found around his home and studio in Birmingham, Alabama.

Mientras vivía en Providence, Rhode Island, Tavares Strachan notó un edificio industrial descuidado cuyas ventanas tenían los vidrios destrozados; luego creó una serie de paneles de vidrio rotos de precisamente la misma manera y los insertó en los marcos de ventana del edificio. Era improbable que los transeúntes fueran a notar los patrones de rotura misteriosamente semejantes de las ventanas, pero si los notaban, se quedarían preguntando sobre la historia y la condición del sitio. Strachan tradujo su intervención en Pasajes, la escultura que se ve aquí.

While living in Providence, Rhode Island, Tavares Strachan noticed a neglected industrial building with shattered windows; he then created a series of identically broken panes of glass and inserted them into the building’s window frames. Passersby were unlikely to notice the eerily identical shatter patterns in the windows, but, if they did, they were left to question the history and condition of the site. Strachan translated this intervention into Passageways, the sculpture on view here.

En los cuadros de Lynette Yiadom-Boakye, espesas capas de pintura forman figuras que parecen surgir de la oscuridad. Unos pocos para muchos se centra en un joven negro que parece perdido en la contemplación, con los ojos dirigidos hacia alguna parte en la distancia media. Aunque las expresivas pinceladas de Yiadom-Boakye parecen responder a personas que viven y respiran, ella no basa sus pinturas en modelos; su elenco de personajes es imaginado.

In Lynette Yiadom-Boakye’s paintings, thick layers of paint form figures that seem to emerge from darkness. A Few For the Many centers on a young Black man who looks lost in contemplation, with his eyes directed somewhere off in the middle distance. While Yiadom-Boakye’s expressive brushstrokes appear to respond to living, breathing portrait subjects, she does not base her paintings on sitters; her cast of characters is imagined.